Иногда наш разум видит то, чего в действительности нет. Эстетическое направление, которое намеренно использует особенности человеческого восприятия для того, чтобы обманывать наш мозг, называется оп-артом. В 60-е годы оно покорило весь мир и в том числе модную индустрию.
С помощью геометрических узоров и графических силуэтов дизайнеры используют искусство, чтобы создавать на человеческом теле оптические иллюзии. Поскольку сейчас тренд возвращается на подиумы, мы решили вспомнить историю оп-арта в моде.
Что такое оп-арт
Оптическое искусство, или сокращенно оп-арт — это форма абстрактного искусства, преимущественно выполненного в черно-белых и основных тонах. С помощью узоров, форм, цветов и материалов художники оп-арта стремятся создать явления, которые сбивают зрителя с толку и создают впечатление деформаций, скрытых изображений и движущихся или вспыхивающих узоров. Оп-арт задается вопросом о том, что важнее: восприятие или истина.
Своими корнями оптическое искусство уходит в технику под названием trompe-l’œil, что в переводе с французского означает «обманчивую видимость». Самые ранние упоминания о подобном направлении в искусстве восходят к античности, когда древнегреческие художники пытались писать настолько реалистичные картины, чтобы в буквальном смысле обмануть зрителя, принимающего увиденное за действительность. Впоследствии эта техника на протяжении веков неоднократно входила и выходила из моды. Своего расцвета искусство trompe-l’œil достигло в XIX веке благодаря таким работам, как написанная в 1874 году Пере Боррелем дель Казо «Спасаясь от критики», на которой изображен гиперреалистичный портрет ребенка, вылезающего из картинной рамы.
Но, несмотря на то, что суть оп-арта тоже состоит в обмане зрения, он отличается от гиперреалистичного искусства. Оптическое искусство в том виде, в котором мы знаем его сегодня, чаще всего абстрактно и в своем желании убедить глаз в существовании нереальных форм и пространственных плоскостей, опирается на геометрические композиции.
Наиболее известными представителями движениями оп-арт являются Виктор Вазарели и Бриджет Райли. Французский художник Вазарели был одним из первых творцов, начавших использовать в своих работах элементы оп-арта. Например, его картина «Зебры», созданная в 1930-х годах, считается работой, положившей начало движению оптического искусства. Другими известными творениями художника также являются «Vega Szem», «Zoeld V» и «TUZ-2-4». «Каждая форма — это основа для цвета, каждый цвет — это атрибут формы», — считал Вазарели.
Если Виктора Вазарели называют одним из основоположников оп-арта, самой видной и популярной представительницей направления является англичанка Бриджет Райли. Работы Райли, часто отличающиеся плотно прилегающими искаженными линиями, определяли искусство 60-х, а сама художница стала первой женщиной, получившей Международную премию за живопись на Венецианской биеннале 1968 года. Наибольшую известность приобрели такие картины Райли, как «Движение в квадратах», «Арест 3», «Intake» и «Катаракта III».
Оп-арт оказал значительное влияние на 1960-е годы — десятилетие социальных и экономических перемен, ознаменовавшихся началом эпохи массового потребления. Термин «оптическое искусство» был впервые введен в обиход в 1964 году в статье журнала Time. А уже год спустя направление получило общественное признание: в 1965 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке открылась выставка «The Responsive Eye» («Чувствительный глаз»), где 99 художников представили свои работы в стиле оп-арт. В экспозицию вошли как сложно-иллюзорные работы Вазарели и Райли, так и более сдержанные геометрические абстракции таких авторов, как Фрэнк Стелла, Ричард Анушкевич, Джулиан Станчак и Александр Либерман, а также кинетических скульптуры Вэнь-Ин Цая, Карлоса Круса-Диеса и Хесуса Рафаэля Сото.
После успешной выставки оп-арт стал всемирно популярным. Но в распространенности оптического искусства были не только плюсы, но и минусы. Многие критики того времени относились к оп-арту с пренебрежением, поскольку его стиль активно присваивали производители предметов китча, использовавшие узоры на футболках, плакатах и кружках. Так Бриджет Райли не нравилось то, что ее оригинальные работы использовались в коммерческих целях без ее разрешения. Художница даже пыталась судиться (но безуспешно) с компанией, которая продавала платья с принтами на основе ее картин.
Но некоторые представители оп-арта относились к заимствованиям совершенно противоположно: например, для таких художников, как Виктор Вазарели и Хесус Рафаэль Сото, именно в этом и заключался смысл творчества. Они считали, что ценность произведения искусства определяется степенью, в которой зритель может участвовать в его создании. То, что их искусство потреблялось на массовом уровне, полностью соответствовало их замыслу, согласно которому между зрителями и искусством не должно быть никаких границ, и что любые барьеры существуют лишь в нашем восприятии. Вазарели даже сотрудничал с текстильными фирмами.
Сегодня оп-арт по-прежнему остается важной частью мира искусства и моды. В число видных современных представителей оптического искусства входят такие художники, как Ксилор Джейн, Джанни Сарконе и Джон Асланидис.
Оп-арт в моде
1960-е годы были десятилетием нарушения правил. Подростки больше не хотели подражать своим родителям, и чтобы выразить свой бунт против старшего поколения, начали выбирать одежду, которая выражала их индивидуальность. Всё это произошло благодаря сплаву музыки, моды, кино и социальных сдвигов того времени. В Великобритании молодежный стиль 60-х привел к появлению субкультуры модов, чьи взгляды были направлены в будущее: ко всему новому, смелому, стильному и минималистичному — модернистскому.
Оп-арт мгновенно пришелся модам по вкусу, поскольку монохромные геометрические принты идеально дополняли смелые силуэты их образов. Вспоминая эпоху зарождения оп-арта, редактор журнала Vogue Диана Вриланд говорила: «Это было чудесное время. В 60-е тебя всё било по глазам. Все и всё было новым». Соединения разнообразных цветов и фигур, создающие впечатление движения и трехмерного изображения, очаровали модников того десятилетия.
Тогда же появились такие британские группы, как The Who, Kinks и Small Faces, вместе с распространением музыки которых возрос интерес и к лондонскому стилю. Чуть позже субкультура модов, чья популярность в Великобритании уже шла на убыль, достигла другой стороны Атлантического океана. Этот момент совпал с открытием выставки «Чувствительный глаз», после чего узоры в стиле оп-арт начали появляться на всем — от одежды до рекламных кампаний, канцелярии, декоративных тканей и характерного предмета гардероба 60-х — бумажных платьев, на которых изображались работы художников.
Использование графических форм и колор-блока для того, чтобы обмануть глаз и позволить ему увидеть скрытые изображения в неподвижном плоском принте, крайне заинтересовало модельеров той эпохи. Что может быть более интригующим, чем наблюдение за таким рисунком в движении на теле? Дизайнеры экспериментировали с абстрактными узорами — полосками, шахматной клеткой и горошком. Такие имена, как Осси Кларк, Пьер Карден, Ив Сен-Лоран и Андре Курреж, завоевали место в истории моды, черпая вдохновение в оп-арте.
Одним из модельеров, прислушивавшихся к настроениям молодежи, была Мэри Квант, чьи геометрические блузы и мини-юбки стали важной частью движения Youthquake (дословно «молодежетрясение» — этим словом Диана Вриланд описывала резкие перемены в моде, музыке и социуме). Известным дизайнером, создающим декоративные ткани в стиле оп-арт, была Барбара Браун. Своеобразным символом оптического искусства также стала супермодель и икона стиля Твигги, чье жилистое тело идеально подходило для принтов с переплетающимися полосами, искаженными кругами и квадратами.
С приходом семидесятых принты в стиле оп-арт и субкультура модов уступили место психоделическим узорам, а затем и более приглушенным цветам и органичным природным формам вроде цветочных мотивов в стиле модерн. Несмотря на первый спад популярности, оп-арт остался важной вехой в истории моды и по-прежнему периодически возвращается в дизайнерские коллекции и массовую культуру.
Так в сезоне Fall/Winter 1995 Жан-Поль Готье представил футуристичные образы инопланетянок с принтами, повторяющими контуры женского тела с помощью контрастных кругов. Коллекция Comme des Garçons Spring/Summer 2001 под названием «Оптический шок» включала в себя принты в стиле оп-арт в фирменном стиле Рей Кавакубо с асимметричными формами, рюшами и деформированными тканями.
На одной из своих последних презентаций Александр Маккуин продемонстрировал впечатляющие силуэты, вдохновленные высокой модой. Сочетание контрастных цветов, а также вертикальные и горизонтальные полосы создавали паттерны в стиле оп-арт и усиливали драматический эффект коллекции Alexander McQueen Fall/Winter 2009.
Марк Джейкобс взялся за изучение оптических иллюзий для разработки коллекции Spring/Summer 2013 своей одноименной марки. В образах присутствовали как характерные геометрические элементы, так и явный оммаж Бриджет Райли и моде 60-х, переосмысленный с помощью современного тейлоринга. Параллельно дизайнер также пригласил художника Даниэля Бюрена поучаствовать в создании площадки для проведения показа Louis Vuitton. Французский творец представил декорации с гигантскими эскалаторами и «шахматными» подиумами, перекликавшимися с геометрическими узорами образов моделей.
Еще одним поклонником Райли оказался Дрис Ван Нотен, в сезоне Fall/Winter 2014 украсивший платья, пальто и блузки волнистыми линиями в фирменном стиле художницы. Junya Watanabe в коллекции Spring/Summer 2015 по-новому представил иллюзорную сущность оп-арта, изобразив графические узоры в трехмерном пространстве.
Презентация кутюрной коллекции Jean Paul Gaultier Spring/Summer 2018 стала данью уважения бывшему работодателю Готье, Пьеру Кардену. Принты в стиле оптического искусства были дополнены необычными скульптурными прическами. А в коллекцию Paco Rabanne Spring/Summer 2022 вошел образ с принтом-коллаборацией с Фондом Виктора Вазарели.
Оп-арт — тренд сезона Spring/Summer 2023
В новом сезоне дизайнеры продолжают вдохновляться оптическим искусством. Но если в 60-е одержимость визуальными «обманками» появилась из бунта против социальных устоев и консервативного дресс-кода прошлого, то в 2022 году яркие геометрические иллюзии, как ни парадоксально, могут быть олицетворением нашей нынешней искаженной, оцифрованной реальности.
Дрис Ван Нотен украсил градиентными, словно объемными узорами в виде сот мотоциклетные майки, шорты и свитшоты. Асимметричная клетка исказила пропорции нарядов Charles Jeffrey Loverboy. Новые образы от Giorgio Armani пестрели вызывающими рябь в глазах квадратами, полосами и волнами. На показе Comme des Garçons Homme Plus геометрические узоры вписались в элементы образов клоунов. А в коллекции Kenzo «поплыли» широкие и узкие полосы двубортных костюмов.
Мужские тренды Весна/Лето 2023