С самого зарождения высокой моды дизайнеры чувствовали необходимость в том, чтобы визуально передавать свои идеи массам. Если сегодня это легко сделать с помощью цифровой фотографии, до ее появления за обложки глянцевых журналов отвечали фэшн-иллюстраторы. С течением времени их рисунки стали восприниматься не просто как сугубо техническая работа, а как отдельная форма искусства: необычные позы моделей, выбранная цветовая палитра и техника рисования помогали сформировать характерный стиль каждого автора. Технический прогресс, культурные изменения и перемены в стиле самой одежды тоже накладывали свой отпечаток на эволюцию фэшн-иллюстрации. Сегодня, несмотря на многообразие других инструментов для визуального отображения задумок дизайнеров, мир иллюстрации и моды по-прежнему тесно переплетен.
Мы вспоминаем 10 знаменитых мастеров, которые оказали значительное влияние на развитие фэшн-иллюстрации.
Чарльз Дана Гибсон (1867-1944)
Творчество американского иллюстратора Чарльза Даны Гибсона определило целое десятилетие в истории модной иллюстрации. Гибсон делал наброски с помощью пера и туши и продавал их журналу Life. Его работы появлялись на страницах популярного издания на протяжении более чем 30 лет. Художник также быстро обрел славу и работал с такими знаменитыми изданиями, как Harper’s Weekly, Collier’s и Scribners, иллюстрировал книги «Пленник замка Зенда» и ее продолжение, «Руперт из Хенцау».
Гибсон наиболее известен созданием культового образа независимой и красивой девушки, отражающей стиль американских женщин XX века и являвшейся идеалом женской привлекательности тех времен. Изображение высокой стройной девушки с «водопадом кудрей», одетой по последней моде, получило название «Девушка Гибсона». Образы девушек Гибсона, которые были вдохновлены женой иллюстратора, Ирэн Лэнгхорн, и ее сестрами, на двадцать лет стали иконой стиля для многих дам.
Джозеф Кристиан Лейендекер (1874-1951)
Джозеф Кристиан Лейендекер считается одним из ведущих американских иллюстраторов начала XX века. Славу ему принесли портреты стильных мужчин и женщин. В период с 1896 по 1950 годы работы Лейендекера более 400 раз оказывались на обложках журналов.
Самым знаменитым клиентом художника была компания «Arrow Collar», продающая съемные воротники. На рекламных постерах для бренда Лейендекер изображал элегантно одетых мужчин со съемным воротником-стрелой. Их образы получили широкую популярность в США, а словосочетание «Arrow Collar man» стало именем нарицательным.
Поль Ириб (1883-1935)
Поль Ириб был французским иллюстратором, одним из первых начавшим тесно сотрудничать с дизайнерами и модными изданиями. Начав карьеру в области иллюстрации в 17 лет, Ириб рисовал на заказ для таких журналов, как Sourire, L’Assiette au Beurre Rire и La Gazette du Bon Ton.
В начале 1900-х годов известный парижский модельер Поль Пуаре нанял Ириба, чтобы тот изобразил новые модели его одежды. Стиль Ириба, сочетавший в себе изящные линии, стиль греческой графики и японских гравюр, а также монохромный фон, использовавшийся в качестве цвета кожи моделей, резко отличался от классических иллюстраций тех времен. В конечном счете это вкупе с противоречивой реакцией на коллекцию Пуаре принесли обоим мастерам популярность и успех. Позже рисунки художника были собраны в издание под названием «Les Robes de Paul Poiret / racontées par Paul Iribe» («Платья Поля Пуаре глазами Поля Ириба»).
Поль Ириб продолжал сотрудничать с Пуаре на протяжении многих лет, а также попробовал себя в дизайне костюмов для театра, разработке украшений, тканей и проекта художественного магазина в центре Парижа. В 1919 году он переехал в Нью-Йорк, где быстро нашел новую аудиторию и еще большую славу среди американских поклонников моды. После десятилетия работы в Голливуде и сотрудничества с такими изданиями, как Vogue, он вернулся во Францию, где познакомился с Коко Шанель. До самой смерти она оставалась его музой, и на основе ее образов он рисовал портреты для своего журнала Le Témoin.
Хелен Драйден (1882-1972)
Хелен Драйден — американская художница, промышленный дизайнер и художник по костюмам. Переехав в Нью-Йорк в 1909 году, она на протяжении года отправляла свои работы глянцевым изданиям, однако ни один журнал не соглашался их печатать. Тем не менее, вскоре Vogue перешел под управление компании Condé Nast, и новое руководство впечатлили рисунки Драйден. Менеджер связался с иллюстратором, и партнеры заключили контракт, который повлек за собой плодотворное 13-летнее сотрудничество.
В своем творчестве Хелен Драйден акцентировала внимание на изящных линиях и формах женских силуэтов. Ее узнаваемый художественный стиль, ставший фирменной маркой американского Vogue в 1910-х годах, сформировали такие источники вдохновения, как русский балет, японская живопись, а также стили барокко и модерн.
Жорж Лепап (1887-1971)
Жорж Лепап заложил основы графического языка фэшн-иллюстрации. Как и Поль Ириб, Лепап был частым творческим партнером Поля Пуаре. В 1911 году он разработал и проиллюстрировал брошюру «Les Choses de Paul Poiret» («Одежда Поля Пуаре»), по-новому показав модели одежды на девушках, которые не застывали в каменных позах, а оживленно передвигались и взаимодействовали между собой. Этот буклет привлек внимание издателя Люсьена Вогеля, который нанял Лепапа при запуске своего журнала La Gazette du Bon Ton, посвященного последним модным новинкам и роскошному стилю жизни.
Позже Жорж Лепап также стал одним из постоянных иллюстраторов Vogue, нарисовав для них более 100 обложек. Помимо заказов для глянцевых изданий, Лепап создавал афиши и программы для «Русских сезонов» в Париже.
Эдуардо Гарсия Бенито (1891-1981)
Художник Эдуардо Гарсия Бенито был мастером иллюстрации в эпоху ар-деко. В 19 лет он отправился из Испании в Париж, где и проявил себя в качестве фэшн-иллюстратора. Начав свою карьеру с портретов людей из высшего общества и набросков для издания La Gazette du Bon Ton, вскоре он стал одним из ключевых иллюстраторов Vogue и Vanity Fair.
Работы Бенито напоминали эксперименты Пикассо и скульптуры Константина Бранкузи. Значительное влияние на иллюстратора также оказали фигурки Амедео Модильяни — парижского художника и друга Бенито. В Condé Nast его стиль — испытывавший влияние кубизма и конструктивизма — называли «Big Head» («Большая голова»). Для своих набросков художник заимствовал элементы египетского искусства, индийских и африканских мотивов. Изображения стильных девушек часто включали в себя такие черты, как длинная шея, вытянутая голова и стилизованные геометрические формы.
Эрте (Роман Тыртов) (1892-1990)
Роман Петрович Тыртов — фэшн-иллюстратор русского происхождения, работавший в Париже. Псевдоним Эрте, являющийся акронимом его инициалов, он взял, «чтобы не позорить семью», поскольку происходил из дворянского рода.
Эрте являлся одним из ключевых художников эпохи ар-деко. С детства увлекавшийся театром и дизайном одежды, он рисовал эскизы для модного дома Поля Пуаре, а затем занялся созданием костюмов для крупных спектаклей, певиц и танцовщиц, работал над декорациями в Голливуде.
В 1915 году иллюстратор подписал контракт с Harper’s Bazaar, который продлился до 1938 года — это стало одним из самых долгих сотрудничеств в истории издательского дела. За эти годы Эрте выполнил для журнала более 240 обложек и 2500 эскизов. Его иллюстрации также появлялись в изданиях Vogue и Cosmopolitan. Работы художника отличались своей вычурностью, ритмичностью, экзотичностью и продуманными деталями. Даже похороны Тыртова, скончавшегося на 98 году жизни, соответствовали стилю ар-деко: он заранее разработал эскиз своего гроба из красного дерева.
Рене Грюо (1909-2004)
Рене Грюо начинал свою карьеру в сфере дизайна одежды, но затем решил посвятить себя фэшн-иллюстрации. В 30-е годы художник начал делать зарисовки для изданий Le Figaro, L’Officiel и Marie Claire. Его экспрессивные линии привлекли внимание модного дома Christian Dior, после чего Грюо пригласили создать иллюстрации для рекламной кампании нового парфюма бренда — Miss Dior. Это стало началом долгого сотрудничества Грюо с французским домом, которая принесла ему славу в мире высокой моды. В списке заказчиков иллюстратора появились такие громкие имена, как Balenciaga, Lanvin, Givenchy, Schiaparelli. В 1948 году он перебрался в Америку, где работал на Vogue и Harper’s Bazaar и создавал рекламные постеры к фильмам Феллини.
История легендарного дома моды Christian Dior
В своем творчестве Рене Грюо делал акцент на силуэте, с помощью гибких линий обводя фигуру или лаконично пряча форму одежды в цветном фоне. Придерживаясь ограниченной палитры (белый, черный, красный, золотой и зеленый), художник часто использовал прием недосказанности и любил создавать картины с помощью пары мазков или больших однотонных пятен. Отсутствие сложных сюжетов, природы или архитектуры на фоне помогали сосредоточить всё внимание на моделях и одежде, что идеально подходило для рекламной иллюстрации.
Альфредо Буре (1926-2018)
Мексиканский художник Альфредо Буре получил широкое признание после переезда во Францию в 1948 году. Наброски Буре с изящными линиями напоминали об ушедшей эпохе классической моды. В период с 1948 по 1962 годы его иллюстрации появлялись на страницах французского и британского Vogue. Задачей Буре было посещать кутюрные дома Парижа, включая Dior, Chanel, Balmain и Pierre Cardin, и зарисовывать одежду из их последних коллекций. Он также был единственным художником, которому разрешалось находиться в парижском доме моды Balenciaga и видеть новые коллекции.
Спустя несколько десятилетий Буре понял, что в мире глянца грядут перемены: когда место иллюстрации заняла фотография, он тоже поменял свою карьеру, став фотографом. Он также открыл свою собственную линию одежды и модный бутик Mexicana.
Антонио Лопес (1943-1987)
Антонио Лопес был единственным художником, чьи работы регулярно украшали обложки Vogue в 70-е годы. Уже во время обучения в Высшей школе искусства и дизайна в его портфолио появились такие издания, как New York Times (где его называли «главным фэшн-иллюстратором в мире») и Women’s Wear Daily, к которым позже добавились ELLE, Interview и Harper’s Bazaar. За время своей карьеры Лопес успел поработать с брендами Charles James, Yves Saint Laurent и Missoni и запустить журнал Vanity.
Свои работы художник подписывал просто «Антонио». В творчестве Лопес не боялся экспериментировать и использовал смешение различных техник и стилей, сочетая сюрреализм, оп-арт и поп-арт. Его творения легко узнаваемы благодаря своей экстравагантности и необычным, «живым» персонажам, четкой композиции и ярким цветам.
Искусство для всех: история издательства Taschen